[Été 2022]
Par Louis Perreault
Photobooks &
A critical companion to the contemporary medium
Onomatopee, Eindhoven, Pays-Bas, 2021, 210 p.
Il s’est écrit beaucoup de choses à propos de l’effervescence qu’a connue le livre photographique depuis le début des années 2000. On aura soulevé à maintes reprises l’importance des ouvrages ayant retracé l’histoire du médium, célébrant les classiques du genre et favorisant du même coup la création d’une communauté grandissante de passionnés du photobook, soient-ils artistes, éditeurs ou collectionneurs. Les rapprochements rendus possibles par le Web auront certes contribué au dynamisme de cette communauté : des groupes Facebook, des sites Internet spécialisés et de multiples vidéos faisant des présentations exhaustives d’ouvrages publiés aux quatre coins du globe auront stimulé la créativité de l’artiste cherchant à faire de son livre l’objet de tous les désirs et un tremplin pour une carrière internationale.
Même si on entend parfois, ici et là, quelques plaintes timides suggérant qu’il se publie trop de livres en comparaison du lectorat qui les attend, le tout se fait dans une atmosphère optimiste, où l’engagement envers cet objet d’art paraît guidé par l’ouverture, la discussion et un emballement pour la chose imprimée. Or, après deux décennies étourdissantes pendant lesquelles celle-ci a soulevé les passions, ne serait-il pas temps de s’interroger sur l’avenir du livre photographique ? Pour ce faire, il faudra porter un regard critique et lucide sur l’état des lieux et mieux comprendre les dynamiques en action dans ce domaine réunissant les ambitions artistiques des photographes, les considérations économiques de l’éditeur et la participation du livre photographique au contexte plus large de la diffusion des arts et de la culture.
Matt Johnston, auteur de Photobooks &, A critical companion to the contemporary medium, connaît bien le livre photographique, lui ayant dédié sa thèse doctorale à la University for the Creative Arts, au Royaume-Uni. En 2009, il fonde The Photobook Club, une initiative qui a rapidement rejoint un large public, alors que des groupes de lecture virent le jour un peu partout sur la planète sous cette appellation bien connue. L’idée directrice de ces clubs de passionnés est marquée par une volonté de démocratisation et de partage : « Apportez un livre, partagez votre lecture avec les autres et discutez ensemble de ces interprétations collectives ». On retrouve ici ce qui semble être l’une des plus grandes préoccupations de Johnston, soit le développement d’un lectorat et d’un discours critique autour du livre photographique. Photobooks & est sa plus récente contribution à l’atteinte de cet objectif. L’ouvrage réussit à synthétiser, dans un langage accessible, « l’écologie » du livre photographique, n’hésitant pas au passage à soulever les contradictions qu’on y retrouve tout en proposant des voies à suivre pour la pérennisation de ses pratiques et de son économie.
L’émergence du livre photographique et son gain en popularité au 21e siècle coïncident avec la croissance rapide du rôle du numérique dans toutes les sphères de la société, dont celle des pratiques photographiques qui se seront ouvertes au plus large concept de « l’image ». Johnston fait appel aux conditions « post-numérique » et « post-photographique » pour expliquer, dans ce contexte, l’engouement envers le photobook : rejetant l’expérience du livre numérique, l’artiste proposerait une mise en valeur de sa matérialité et de la perception haptique, et offrirait une résistance à l’impermanence des photographies à l’ère des stories et autres diffusions éphémères.
Il en prend pour preuve l’intérêt grandissant pour les différents détails matériels des ouvrages (reliure, papier, techniques d’impression, etc.) et l’étape de maquettage, qui sort maintenant fréquemment de l’espace privé de l’atelier pour se retrouver dans la sphère publique des compétitions et des foires du livre. La séquence et l’organisation des images permettraient, quant à elles, de contrer la surabondance de celles-ci qui tend à « démanteler la visibilité » par un phénomène de saturation et d’excès. « Lorsque les images deviennent des cascades d’artéfacts numériques sautant d’un écran à l’autre […], quelle expérience le photographe peut-il offrir au spectateur ? » Réponse : un livre photographique !
Selon Johnston, cet engouement aura toutefois favorisé le développement d’une communauté de producteurs (makers), où ceux-ci occupent une place de choix dans les discussions à propos du médium et en sont le principal public cible. À cet égard, Johnston a mené d’intéressantes études statistiques dans lesquelles il démontre la majorité écrasante de photographes s’identifiant à la communauté du livre photographique. Il porte également son attention sur les groupes de discussion les plus populaires sur Facebook (FlakPhoto Books et PhotoBooks, les deux ayant plus de dix mille membres) et démontre la contradiction qui existe entre l’objectif initial de la création des groupes (d’être des lieux d’échange et de discussion) et l’usage que les membres en font réellement. Dans les deux groupes étudiés, Johnston observe à quel point le commentaire dans les publications, qui pourrait être la source de discussions, est largement dépassé par les publications promotionnelles provenant de photographes ou d’éditeurs. Le résultat se traduit par un phénomène d’insularité, de « contribution sans conversation », se déployant dans l’abondance de nouveautés et donnant l’apparence d’une communauté vivante et en santé, alors que le discours y perd sensiblement « en spécificité et en intention ».
Si ces constats apparaissent quelque peu décourageants pour la suite des choses, Johnston s’attaque ensuite à enrichir notre compréhension du médium au travers de trois chapitres ouvrant vers l’avenir du livre photographique et traitant au passage d’éléments fondamentaux qui pourront caractériser une plus saine relation à son écologie. Johnston y propose tout d’abord une taxonomie faisant de l’intention initiale de l’artiste la base du regard critique à porter sur le livre : qu’il s’agisse de simplement réunir un corpus d’œuvres dans une même publication (« photographic book lineage »), de faire de ce dernier un objet d’art le liant à la tradition du livre d’artiste (« artist’s book lineage ») ou de faire usage de l’objet-livre pour mieux exprimer le sens de son essai photographique (« photo essay lineage »), l’auteur fait appel à ces différentes filiations pour déterminer les objectifs du livre et la fonction de ce dernier dans la création du sens de l’œuvre.
Si publier son travail peut sembler être l’atteinte d’un but pour l’artiste, Johnston propose plutôt que ce n’est que le début de l’opération qui consiste à faire bien plus que d’amener le livre dans les mains du lecteur, surtout si celui-ci n’est pas l’un des aficionados du photobook. L’auteur suggère que tous les membres de la communauté, de l’artiste au libraire, en passant par l’éditeur et le bibliothécaire, se prêtent à des actes d’« amplification » et d’« activation », deux termes très porteurs permettant un enrichissement de la lecture par des présentations d’artistes, des discussions en ligne, la production de contenu contextualisant les œuvres, des groupes de lecture, en somme, ce que d’autres domaines de la culture ont réussi à développer sous l’appellation de la médiation culturelle.
Tout cela aura, entre autres conséquences, le résultat d’enrichir les manières de lire les livres photographiques. Dans le chapitre Photobooks & Reading, Johnston propose d’ailleurs une liste de huit « actes » de lecture (Distance, Material, Inspectional, Navigational, Conceptual, Assimilatory, Shelf et Re-Reading) qui agissent comme une sorte de guide procédural forçant le lecteur à étendre le spectre de son attention et à s’ouvrir aux dimensions multiples de l’objet qu’il découvre. Chemin faisant, Johnston arrive à renverser la prévalence du « faire » et à valoriser une lecture critique d’un objet qui en a assurément besoin. Car, disons-le, comment un mode d’expression peut-il aspirer à une certaine pérennité sans que ne s’installe aussi à ses côtés une communauté de critiques pouvant agir de catalyseurs pour sa diffusion ?
Il semble donc que l’avenir repose sur une triade de communautés interdépendantes : celle des producteurs, des critiques et des lecteurs. L’enrichissement d’un lectorat permettra d’établir un nouvel équilibre, ouvrant le producteur à des considérations ayant jusqu’ici pris peu d’espace dans le discours autour du livre photographique. Johnston prend garde, à la toute fin de l’ouvrage, de rappeler que son intention n’est pas d’intervenir dans la liberté créative des praticiens afin de les forcer à produire des livres accessibles et accompagnés de textes explicatifs superflus. Ce qu’il suggère est plutôt l’intégration d’une certaine pédagogie dans l’univers du livre photographique, amenant le lectorat à comprendre le caractère parfois complexe des ouvrages. Il fait appel à la responsabilité de chacun des membres de la communauté d’en faire une priorité, afin qu’ultimement, lecteur et producteur s’élèvent, ensemble, dans les hautes sphères de la création.
Louis Perreault vit et travaille à Montréal. Il déploie sa pratique à l’intérieur de ses projets photographiques personnels ainsi que dans les projets d’édition auxquels il collabore grâce aux Éditions du Renard, qu’il a fondées en 2012. Il enseigne la photographie au Cégep André-Laurendeau et contribue régulièrement au magazine Ciel variable, pour lequel il recense la parution de livres photographiques récents.
[ Numéro complet, en version papier et numérique, disponible ici : Ciel variable 120 – FIGURES D’AFFIRMATION ]